Qui aurait pu dompter La Lupe, même les révolutionnaires qui venaient de prendre le pouvoir à Cuba n'y réussirent pas! La tigresse n'était pas femme à accepter les ordres ni les contraintes, trop rebelle pour accepter de s'assagir!
C'est au Mexique qu'elle prit ses quartiers et qu'elle débuta cette carrière qui allait faire d'elle une chanteuse admirée d'Hemingway, Picasso, Sartre ou encore Susan Sontang.
La Lupe explosa durant les années 60 comme une prêtresse de la religion de la passion, elle brûlait tous les schémas en faisant fi des conventions.
Entonnant ses cris de guerrière, les "ay yi yi yi", les "gurru" ou les "ahi na ma", elle s'appropriait les titres en les modelant à sa propre sauce, d'arrogante féminité.
En chantant, elle bouleversait l'auditoire, lui explosait les tripes, l'intoxiquait,; capable de violer tous les tabous et assaisonnant les standards anglo-saxons de toute sa passion cubaine et libertaire.
Les boléros qu'interprétaient d'autres avec toute la souffrance du désespoir, elle, elle leur donnait la couleur de la vengeance.
Le film "Femme au Bord de la Crise de Nerfs" en fit un culte pour toute une génération, son boléro "Puro Teatro" utlisé comme générique de fin reste à jamais dans toutes les mémoires!
La Lupe ou une vision anar du monde de la chanson !
Si il y a une chose de sûre à propos de Björk, c'est qu'elle n'est plus à présenter. Cette islandaise accumule depuis plusieurs années les succès, sans pour autant perdre sa vocation d'exploratrice sonore.
Les albums "Post" et "Debut" avaient été particulièrement remarqués pour leurs airs accrocheurs teintés d'électronique. En France, elle est révélée aux yeux du grand public en 1993 avec le single "Violently Happy", produit par Nelee Hooper. "Homogenic" lui apportera une reconnaissance encore plus large, avec notamment les singles Joga et Bachelorette, auquels personne n'a pu echapper.
Le succès rencontré par ces titres semble amplement mérité au vu de l'excellente facture des dix morceaux qui compose l'album. Il ne se passe pas un instant sans que l'on soit interpellé par la beauté troublante des cordes, qui s'allie parfaitement à la voix doucement froide de l'artiste.
Sur "All is Full Of Love", la puissance évocatrice de la voix est telle que seule une rythmique aux sons lents vient troubler la paix qui règne sur ces morceaux. On se plait à (re)découvrir l'univers étrange de Björk, où les arrangements sophistiqués évoquent une vision d'une modernité hantée par des spectres du passé. Car les sons synthétiques sont toujours présents, entre autre avec les rythmiques agressives de "All Neon Like" et "5 years", comme pour venir troubler un certain ordre, et sans cesse ouvrir de nouveaux horizons.
Peut-être l'un des seuls reproches que l'on puisse faire à ce disque est à propos de sa durée (moins de 45 minutes).
Malgré cela, Homogenic est un très bon album, d'une splendeur atemporelle.
C'est en 2000 que le grand public découvre Prāta Vētra, mais sous un autre nom (le pseudo qu'ils utilisent pour le marché international), Brainstorm.
Ils sont les 1ers représentants de la Lettonie à l'Eurovision, et frappent fort avec une 4ème place et surtout l'entrée d'une vraie pop dans ce concours, pour certains, bien poussiéreux !
La Pop de Prāta Vētra, c'est de la Rock-o-Pop, comme ils aiment à le rappeler, une musique aux accords joyeux, pleine de truculence! Un peu comme les bulles de champagne dans la tête!
A cela vient s'ajouter le timbre si particulier du charismatique chanteur, Renārs Kaupers.
Le groupe existe depuis 1989. A l'époque, les membres du groupe étaient à peine âgés de 15 ans, et très vite, ils se signalent comme le groupe phare de la musique lettone!
Les portes des autres pays baltes, mais aussi de la Russie s'ouvriront bien vite devant eux, mais ils devront attendre 2000 et l'Eurovision, pour cartonner dans de nombreux pays un peu partout dans le monde!
Il est dommage que ce groupe soit boudé par les radios françaises, car ils ont tout à fait leur place, dans l'univers musical actuel.
Des titres comme "Četri krasti" ou "Rudens" nous filent une banane d'enfer, alors que "Masa nakts" beaucoup plus grave nous emmène dans un univers musical si beau, tout plein de l'imaginaire de ces 4 garçons!
Ne pas passer à côté du bonheur de découvrir la Rock-o-Pop de Prāta Vētra !
Composée à Katowice pendant les 3 drniers mois de 1976 et dédicacée à la femme de Górecki, la symphonie fut représntée pour la 1ère fois, un an plus tard.
La 3ème symphonie de Gorecki connut un destin tout à fait singulier.D'une écriture néo-modale avec des motifs très simples, elle dérouta d'abord plus d'un, fut boudée, puis oubliée avant d'être réutilisée par Maurice Pialat pour le générique de son film "Police" en 1986.
Elle fit un retour fracassant et inattendu en 1992 avec un enregistrement catapulté au Top 10 des charts anglais. Elle est depuis régulièrement jouée dans le monde entier.
Construite en trois mouvements, tous dans des tempi lents, la 3ème Symphonie est une longue mélodie élégiaque qui débute sur un motif confié aux contrebasses. Le chant à peine audible, comme sorti du néant, s'enfle progressivement par le simple artifice du canon. A quoi succède un chant de soprano désolé qui vient se mêler peu à peu aux cordes.
Il en résulte un sentiment puissant de complainte, de lamentation dans une atmosphère planante et répétitive. Le second mouvement plus recueilli laisse apparaître une lueur d'espoir qui se confirme dans le troisième et dernier mouvement.
L'oeuvre prend sa source pour le premier mouvement dans une prière polonaise du 15ème siècle, pour le second dans les mots de consolation griffonnés à l'adresse de sa mère par une jeune déportée dans une cellule de la Gestapo à Zakopane et pour le troisième dans un chant populaire d'Opale.
Rarement une musique aura-t-elle dit la perte et le deuil avec autant d'émotion. Rarement une musique aura-t-elle été aussi tendue. Rarement vous aura-t-elle invité au recueillement avec autant de force.
« La monarchie en Angleterre n’a aucun sens, elle n’a jamais été utile. La monarchie est une idée fondée sur l’imposture, le meurtre et la fourberie (...) ». C’est par ces mots que Morrissey expliquait, en 1986 dans les Inrocks, le sens à donner à The Queen is dead, titre du troisième album des Smiths. La controverse, les insultes et même les menaces de mort qui ont suivi n’ont en rien muselé l’enfant terrible du rock, sans doute le plus grand incompris de la décennie 80.
"The Queen Is Dead" défile comme la bande-son du désespoir. Morrissey chante doucement, effleurant les mots, définitivement ambigu. C'est le disque des ruptures et des pages tournées avec nostalgie, les paroles du poète qui se croyait génial, renvoyé froidement à sa solitude. Le spectre de la mort se dessine en arrière-plan. C'est l'envie folle de mourir avec l'être aimé ("There Is A Light That Never Goes Out"). En trente-sept minutes à peine les Smiths gravent la détresse devant l'éternel. Mais pas une détresse angoissante et sans issue, plutôt un spleen pop. Derrière le velours fané, le bijou scintille.
L'ironie est un rempart, et Morrissey aiguise des textes insolents : "Frankly, Mr Shankly" ou "Bigmouth Strikes Again"...
Jeff Buckley a repris "I Know It's Over", Placebo "Bigmouth Strikes Again".
La reine est morte, mais le royaume continue de resplendir.
Miles Davis s'est non seulement distingué par sa virtuosité instrumentale, mais surtout par son originalité (jusqu’en 1975, il fut à la pointe de presque toutes les évolutions du jazz) et par son incroyable capacité à découvrir et à s'entourer de jeunes talents.
Son jeu se caractérisait par une extrême sensibilité musicale et, notamment, la fragilité qu'il arrivait à donner au son. Il a marqué l'histoire du jazz et de la musique du XXe siècle à jamais. Presque tous les grands noms du jazz des années 1950 à 1970 travaillèrent avec lui.
Pour "Kind of Blue" il a appelé des musiciens pour jouer sur cet album, ces derniers ayant peu ou pas d’idées sur ce qu’ils allaient effectivement jouer.
A l’exception de Flamenco Sketches, qui a eu deux prises, tous les morceaux ont été enregistrés avec une seule prise.
Kind of Blue est souvent considéré comme la meilleure vente d’album de Jazz de tous les temps. C’est surtout une des œuvres majeures de Miles Davis : elle aura beaucoup d’influence sur la musique jazz, mais aussi sur le rock (source d'inspiration pour les Pink Floyd, par exemple).
Toutes les compositions ont été écrite par Miles Davis. Cependant, il est connu que l'introduction de "So What" a été écris par Gil Evans, et que Bill Evans a entièrement écrit "Blue in Green". Cette appropriation est loin d'être unique dans le monde du jazz, Miles Davis ayant été "victime" de tel pratique lui-même.
C'est un des rares albums qui a réussi à séduire tout public, des amateurs puristes à ceux qui n'ont jamais éprouvé un grand intérêt pour ce courant musical !
Lorsque j'ai écouté pour la première fois son second album "Palabra de Mujer", j'ai découvert, comme bon nombre d'espagnols et de latinos, une femme à la voix extraordinaire proposant un savant mélange de chansons dance de très bonne facture et des ballades puissantes!
Très vite, Mónica Naranjo s'est révélée comme l'artiste phare de cette fin de siècle, avec cependant quelques réserves de la part de la critique, limitant ses qualités exceptionnelles d'auteur et d'interprète à l'image d'icône gay qu'elle est vite devenue!
C'était mal connaître la demoiselle, car en 2000 paraît son nouvel opus "Minage", un album concept où tous les titres sont des adaptations des chansons interprétées par la grande Mina, diva chez nos amis transalpins; qui enregistre même un duo avec l'espagnole!
C'est un succès immense en Espagne, dans toute l'Amérique Latine, mais aussi en Italie et aux USA.
La voix de Monica se fait plus brisée, plus rauque, parfois agressive, beaucoup moins lyrique que sur ses 2 albums précédents!
Les textes sont magnifiques, parfois poignants. Elle est cette femme, violente par moments, humiliée telle un animal blessé dont on recouvre les plaies de sel.
Fidèle à elle-même, elle brise tous les tabous, donnant au sexe toutes ses lettres de noblesse, dans un monde entre lumière ou fracas où des prostituées vêtues de latex côtoient des créatures imaginaires se perdant dans les abysses les plus profonds.
Tel un fauve assoiffé, je vendrai mon âme au Diable, mon corps à des êtres décharnés qui n'auront d'autres illusions que d'utiliser mon corps sans la moindre pudeur.
Être un chien galeux, rebut de cette société désespérée où les hommes seront devenus des bêtes sauvages s'entre-déchirant pour un lambeau de chair!
Foulé au sol couvert d'immondices, je les laisserai me piétiner le temps d'un orgasme libérateur avant de les détruire toute ma haine et ma violence.
Sélectionner un album des Rolling Stones n'est pas si aisé, tant leur discographie est importante. Mais comme je ne suis pas un fan inconditionnel du groupe, le choix s'est fait simplement vers l'album où figure un des titres qui m'a le plus touché parmi les milliers proposés par ce groupe : "Angie".
Fin 1972, après l’énergie remarquable qui traverse "Exile on Main Street", les Stones sont un peu cuits, tout particulièrement Keith Richard, interdit de séjour en France pendant deux ans. Ils passent de longues vacances chacun dans leur coin, avant de se réunir à Kingston pour préparer le prochain chaudron de potion magique destiné à nous jeter la poudre aux yeux… Opération réussie au-delà de toute espérance, la poudre sera "Angie", le plus gros tube de leur carrière, une ballade sucrée qui fera tiquer les fans et occultera presque complètement le reste de l’album, largement décrié par les critiques bien pensants.
Pourtant on trouve dans "Goat’s Head Soup", une remarquable diversification des instrumentations, des claviers (pour lesquels le précieux Nicky Hopkins est le plus présent et toujours efficace, à côté de Billy Preston), et une utilisation finalement très modérée des violons aux sanglots longs. Des ballades, il y en a d’autres, qu’Angie, l’étrange "Winter" trouve l’exacte atmosphère, fraîche et givrée (les cymbales nous effleurent comme une multitude de petits flocons). Mick trouve ses accents les plus émouvants tandis que l’autre Mick nous donne la chair de poule avec un solo faussement nonchalant.
Pour "Heartbreaker (Doo Doo Doo Doo Doo)", les cuivres balancent un riff bien noir avant de céder la place à une guitare claire mais triste,. Toujours dans la même veine très électrique et rythmée, les deux guitaristes accompagnent Mick, qui délivre de belles phrases à l’harmonica, pour le long et vibrant " Silver Train". Enfin, "Star Star" achève l’album avec une intro de Keith pompée sur Chuck Berry. Titre digne de "Brown Sugar" par sa densité et ses déluges de guitare, mais desservi par les nombreuses censures dont il fut l’objet, puisqu’au départ le titre en était "Starfucker"… Finalement, une fois l’ombre d’Angie écartée, tout cela reste très écoutable et honorable, les Stones n’ont pas encore perdu la veine d’un rock majeur mais pas vacciné.
Venus de la Grèce Antique ou de la lointaine Byzance, ces odes sont la communion de la tradition, des synthés et de la voix de la grande, de l'immense Irene Papas.
Que ce soit dans la tragédie grecque ou dans des films tel "Zorba le Grec" Irène Papas a su démontrer toute l'étendue de son talent.
En 1979, elle rencontre Vangelis qui souhaite travailler sur des titres de la tradition grecque revue par la modernité de ses synthétiseurs!
La rencontre donnera cette oeuvre magnifique et mystérieuse qui nous mène dans un très lointain voyage fait de passion, de douleur, de révolte, mais aussi de sérénité.
Comme l'écrit Irène Papas, auteur des titres :
"... Essence éternelle d'une ancienne colonne toujours droite
Condencé d'émotions de chaque race et de chaque pays
Chansons de mon enfance
Premier son aimé et chant de ma vie...
... Odes à l'humanitéMémoire collective et art sélectif
Qui survivent aux siècles et traversent l'espace
Chants des temps anciens et nouveaux
Chants à partager, chants à unir
Racine commune, mortel destin commun
Alors je les ai chantés."
"Hast Du etwas Zeit für mich
Dann singe ich ein Lied für Dich
Von 99 Luftballons
Auf ihrem Weg zum Horizont"
Avec ces quelques mots, ce jeune groupe allemand fera exploser les charts à travers le monde avec un titre phare "99 Luftballons".
Ce n'est pas fréquent que la chanson européenne non anglophone, réussisse à s'ouvrir une brèche chez nos voisins britanniques, et encore moins aux USA.
Pourtant ce pari est gagné par Nena Kerner et ses quatre complices, en 1983.
Ils nous faisaient découvrir une pop/rock fraîche, enjouée et très accrocheuse, avec des titres comme "Leuchturm" ou "Nur Getraumt" leur premier succès.
Succès qui allaient se s'enchaîner jusqu'en 1989, année lorsque la chanteuse décida d'entamer une carrière solo, qui ne connaîtra pas Outre-Rhin le même écho.
Maman de 4 enfants, Nena a repris du service avec ses anciens compagnons pour un album sorti fin 2005.
Avec ce premier album de Nena, on retrouve l'univers des allemands avant la chute du mur. Celle où les grands de ce monde s'appelaient encore Leonid ou Ronald; comme elle le chante dans le savoureux "Ich bleib' im Bett".
Il y a des instants plus ou moins faciles, des périodes que l'on traverse avec sérénité ou avec cette impression de couteau planté dans le ventre.
J'ai parfois du mal à faire la part des choses, peut être parce que je suis trop entier, et que je donne plus que de raison, plus qu'il n'est demandé ou attendu.
Je n'ai jamais fait dans la mesure, j'en suis conscient, j'ai attelé mes chevaux à un carrosse dans lequel j'ai toujours installé ceux que j'aimais.
Mais à force de trop vouloir aider les autres, qui sait contre leur gré aussi, j'ai oublié de me protéger moi-même, et le moindre faux-pas me fait tomber de ma monture jusqu'à me fracasser sur les rochers de la vie.
Je suis las de me blesser moi-même, plus qu'être blessé par d'illusoires faux-semblants, que je me refuse trop souvent de voir!
L'amitié a cette force d'être le lien sacré entre deux ou plusieurs êtres, mais elle se construit, comme l'amour, tout doucement, étapes après étapes, dans l'harmonie.
J'ai parfois, à vouloir aller trop vite, semé la confusion chez certains ou certaines, jamais dans un but égoïste; ceux qui me connaissent savent que ce mot ne fait pas partie de mon vocabulaire.
Je ne souhaite en aucun cas justifier mes actes, mais juste me poser, apprendre à relativiser, à comprendre qu'il n'est pas nécessaire de s'éparpiller pour se perdre dans les méandres de la déception.
Aujourd'hui j'ai simplement besoin de retirer de mon ventre ce poignard qui m'étouffe et m'empêche d'être serein, qui ne me donne qu'une vision de douleur, alors que je ne me souhaite que du bonheur...
Dédié à ceux qui ces 3 derniers jours ont tenté de me libérer de mes chaînes... Je les embrasse.
Il est rare qu'une musique de film prenne autant d'années pour être composée, comme c'est le cas de celle-ci.
Pour donner une réelle dimension au film, Peter Brook, le réalisateur, souhaitait trouver de nombreuses sources d'inspirations aussi variées et puissantes que possible.
Cette musique se devait de recolorier le film en partant du Tibet jusqu'au sud de l'Inde, avec des artistes originaires de ces régions.
Sous la conduite du japonais, Toshi Tsushitori, qui durant de nombreuses années a étudié les musiques traditionnelles de nombreux pays, 4 musiciens instrumentistes de renom, ont travaillé ensemble durant 5 ans, un peu partout dans le monde, afin d'enrichir de leur propre culture, les différents thèmes composés.
Ce n'est qu'en 1989, peu avant la projection du film, que le réalisateur fait le choix des morceaux, en s'inspirant de sa sensibilité occidentale.
Ils demandent à Sarmila Roy d'enregistrer les textes de Rabindranath Tagore, en y apportant le plus d'émotion possible.
D'une voix lyrique, aussi pure qu'une eau de source, elle offre aux enregistrements un caractère unique et magique.
Cet album propose une rare vision musicale offerte par des musiciens de différentes races et cultures.
The Mahabharata reste une oeuvre phare dans l'univers de la world music.
Née dans le XIXème arrondissement de Paris le 2 mars 1966, c'est surtout à Malakoff, qu'elle passe une grande partie de sa jeunesse.
Au cours de quelques fugues, elle fait des rencontres incongrues du prince arabe au commissaire de police. Sorte d'héroïne de BD, un peu garçon manqué, un peu midinette ("Secotine sur l'album"), elle ne manque pas de se faire repérer en 1985 par un jeune chorégraphe qui l'invite sur le tournage d'un clip de David Christie, chanteur alors à la mode. Stéphanie, dite Nina, y décoche un rôle de figuration. Nina devient la compagne du chanteur et devient la mère de son premier enfant, Julia.
De cette rencontre, découle quelques premiers essais discographiques peu concluants, jusqu'à ce qu'elle retrouve alors un ami d'enfance, Antonin Maurel, qui lui compose des titres qu'elle enregistre sous le nom de Stéphanie de Malakoff : "Mon P'tit Arthur" en 88 et "T'en fais deux fois trop" en 90. Cette fois, face à l'insuccès, elle laisse tomber.
C'est en 1993 qu'elle refait surface sous le nom de Nina Morato. Cette fois, après un long travail, elle sort un tout premier album, "Je suis la mieux", sur le label Polydor. Maman d'une seconde fille, Paloma, la chanteuse place la maternité parmi ses thèmes favoris. C'est ainsi que le single "Maman" devient un des tubes du moment. La jeune femme entre alors dans la cour des grands et est élue Révélation féminine de l'année 94 aux Victoires de la Musique.
Quelques temps plus tard, dans la foulée du succès, Nina est sélectionnée pour représenter la France au concours Eurovision de la chanson avec le titre "Je suis un vrai garçon" .
Après un court passage par le cinéma, et l'enregistrement d'un second album en 1996 "L'Allumeuse" qui sort dans la plus grande confidentialité.
Très éloigné du titre de son album précédent, "Moderato", qui sort à l'automne 1999, annonce une Nina Morato plus grave. Elle a dû affronter la perte accidentelle de sa petite fille Paloma quelques mois avant la sortie du disque. Tout l'album, sorte d'exutoire, est donc empreint de ce deuil, et en particulier le titre "Mon ange". Pour ce disque, la chanteuse s'est entourée d'une équipe d'amis dont Lokua Kanza, Black Jack de Démocrate D, sur une reprise de "Porque Te Vas" ainsi qu'Arthur H ("En Harmonie") et Princess Erika qui partagent chacun un duo, le tout produit par Jam'Ba.
Je me suis réveillé asphyxié, entouré de rats gigantesques...
Les murs brillent comme s'ils étaient de bronze, couleur verdâtre, de moisissure et de fer...
Un tunnel... Un grand silence...
Je m'incorpore au néant, le bras droit me fait mal. J'ai comme une envie subite de l'arracher et de le laisser pourrir ici.
Perdu dans cette ville submergée au milieu d'édifices, d'hommes et de femmes marchant tels des cadavres vers leur tombeau de désolation, fantômes de boue.
Je m'imprègne de ce royaume de désolation, cet univers de non retour.
Prisonnier dans ce cloaque, au fond des entrailles de la ville où jamais ne brilleront les soleils rouges de fin de jours.
La lame est froide contre mon cou, je sens mon sang battre dans mes veines... Je n'oppose plus aucune résistance, je suis l'animal résigné face aux chiens venus l'achever....
Dans un dernier instant de révolte, je hurle. Mon cri se répercute en mille échos se fracassant contre les parois. De toutes parts, il envahit ce souterrain, réveillant les cadavres sur son passage... Êtres atrophiés, putréfiés, dont les yeux s'illuminent d'un bleu pétrole...
Le glas d'une église perdue dans la brume annonce que l'heure de la vengeance est arrivée... Que plus jamais les âmes libres ne se résigneront... Que plus jamais les tyrans imposeront leurs loi... Que le sang coulera comme un flot de révolte...
Les murs tomberont, les barreaux de cette prison seront arrachés...
Peu à peu la lumière reviendra illuminer cet univers de désolation faisant fondre la haine pour laisser place à un espoir tant de fois brisé, humilié, interdit....
Je resterai là assis, silencieux.... Mes larmes couleront sur la lame du poignard à ma main....
Surnommée "Petit Moineau" à ses tout débuts dans le monde musical, Sezen Aksu est vite devenue, la "Reine de la Pop Turque".
Auteur-compositrice-productrice, elle jouit d'un succès immense dans son pays, mais aussi hors des frontières.
Son style se caractérise par des influences turques et très world music! Elle a travaillé, collaboré ou produit des artistes aussi variés que Sertab Erener, Goran Bregović ouTarkan.
Le titre qui lança Tarkan dans une carrière internationale était signée par elle.
"Deliveren" est son 24 ème album.
Il est composé d'oeuvres magnifiques dont le "Gidiyorum Bu Şehirden" interprété avec la grecque Haris Alexiou.
David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Après s'être essayé à une carrière folk, dans les années 60, David Bowie marque un tournant plus glam rock en 1969 et la sortie de "Space Oddity" qui fait écho aux émotions suscitées par les premiers pas de l'homme sur la lune.
C'est surtout sa rencontre avec Tony Visconti, et la publication de son 1er album "The Man Who Sold The World " en (1971) que se produit son premier coup d'éclat dans les médias en posant habillé en femme sur la pochette, tout en proposant un rock finalement très incisif et déjà de premiers sommets (The Man Who Sold The World ). C'est sur cet album qu'apparaîtra pour la 1ère fois, le personnage de Ziggy Stardust.
Contribuant largement à l'invention du glam rock et à ses outrances vestimentaires, il se teint les cheveux en rouge, joue de son ambiguïté sexuelle et devient un phénomène médiatique avant même d'être un gros vendeur de disques, ce qui lui vaudra longtemps l'étiquette de n'être qu'un coup commercial.
1972 voit l'explosion de David Bowie en Grande-Bretagne, il "devient" alors Ziggy Stardust.
"The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" est son 1er album concept et aussi la pierre angulaire du glam rock. Bowie y incarne Ziggy Stardust, star androgyne du futur, et on suit son aventure, ainsi que celle des Spiders from Mars, groupe composé du guitariste Mick Ronson, du bassiste Trevor Bolder et du batteur Woody Woodmansey.
L'histoire est comme souvent chez Bowie liée au futur : en raison de ses connaissances devenues trop importantes, la terre est condamnée à une destruction totale qui aura lieu dans cinq ans.
Les 11 titres sont de purs joyaux, mais c'est surtout "Rock'n'roll Suicide" marquant la chute de Ziggy, qui restera dans l'histoire du rock, comme l'un des morceaux les plus significatifs de la carrière du Bowie au look androgyne.
Triple disque de platine, Antidoto est le 20 ème album de Anna Vissi.
Née à Chypre dans les années 50, c'est surtout en Grèce qu'elle se révélera comme un des talents les plus surs de la scène hellénique.
Adulée par la foule, elle décide sur le tard de se lancer dans une carrière internationale qui la conduira jusqu'à la 1ère place des charts US avec un tube dance "Call me".
C'est dommage, car la chanteuse y perdra une partie de cette âme qui a fait d'elle l'une des plus grandes interprètes de ces 30 dernières années.
Antidoto est un album qui mêle les racines de sa terre natale, aux sonorités grecques ou arabisantes, comme pour rappeler l'époque lointaine où ses ancêtres sillonnaient les mers.
Anna Vissi, c'est avant tout un sens inné de l'interprétation, et des titres comme "Erwteymenaki", "Gazi" ou le bouleversant "Pali Gia Sena" nous montrent toute l'étendue de son talent.
Antidoto a résonné bien au-delà des frontières de la Grèce qui offrait ainsi au monde sa déesse!
Auteur-compositrice-poète, Anne Clark reste une véritable égérie pour bien des musiciens de la scène electro, qui se sont inspirés de son style musical dépouillé.
Anne Clark ne chante pas, elle parle; mais son phrasé est si précis qu'il s'unit parfaitement à la musicalité, parfois hermétique de ces morceaux.
"Pressure Points" est sont quatrième album, et sans aucun doute sa pièce phare.
Réalisé en collaboration avec John Foxx du groupe Ultravox, c'est un petit bijou de précision.
Les mots ont la révolte d'une femme contre une société où l'humain est exploité, abaissé.
Ses chants d'amour résonnent comme une libération, très féministe parfois.
A la première écoute, il n'est pas toujours simple de pénétrer dans son univers un peu hermétique pour certains. Cependant, bien vite on est pris à la gorge, surtout avec des titres comme "Heaven" ou "The power Game", un de ses chefs d'oeuvres.
Ce ne sont pas seulement des fées qui entourent le berceau de Miguel Bosé à sa naissance, mais de bien grands noms.
Déjà, il est le fils du torero espagnol Luis Miguel Dominguín et de l'actrice italienne Lucia Bosé. Son parrain n'était autre que Luchino Visconti, et ses anges gardiens, Pablo Picasso et Ernest Hemingway...
Chanteur, acteur, danseur (il a travaillé avec Lindsay Kemp et Maurice Béjart), il tombe très jeune dans le monde de l'art. Miguel Bosé a enregistré 22 albums, participé au tournage de 35 films et dans de nombreux show télévisés et occupe actuellement une fonction de directeur de théâtre.
Lorsque paraît "Bajo el signo de Caín", en 1993, il vient d'enchaîner coup sur coup 3 films, "Tacones Lejanos" de Almodóvar, ainsi que "Mazeppa" et "La Nuit Sacrée" en France. Pour ces 2 films, il est obligé de perdre énormément de poids, et ce sera le début d'une campagne médiatique puante affirmant qu'il est atteint du SIDA.
Un des titres de cet album, fait fortement allusions aux rumeurs et à son utilisation par les la presse écrite ou télévisée.
Ce disque marque un retour du chanteur vers une musique plus expérimentale et reflète surtout de sa grande maturité artistique. Album très intimiste, il nous emporte dans un univers envoûtant de magie et de sonorités inspirées de la tradition celte-espagnole, mais aussi de l'Asie Mineure ou de l'Inde.
Pour certains, cet album est presque cinématographique, tant les mots et les musiques dessinent devant nous des images inoubliables.
Elle est âgée d'à peine 20 ans lorsque le public découvre cette auteur-compositrice-interprète britannique à la voix exceptionnelle et mélodique.
Remarquée alors qu'elle est encore adolescente, par David Gilmour, guitariste du groupe Pink Floyd, elle publie en 1978, son premier 45 tours : Wuthering Heights, dont le texte est inspiré par le roman éponyme d'Emily Brontë (Les Hauts de Hurlevent).
Ce succès mondial est remarquable, d'autant plus que nous sommes en pleine période punk.
Kate Bush se démarque déjà, avec ses airs romantiques et évaporés et une forte présence théatrale due à sa formation de danseuse classique et de mime Lindsay Kemp.
Les thèmes abordés dans l'album, The Kick Inside sont généralement considérés comme originaux (on a souvent dit que The Saxophone song était une allusion à peine voilée à la masturbation et Strange phenomena une évocation du cycle menstruel de la femme... Les références ne sont pas seulement littéraires (Emily Brontë pour Wuthering Heights) mais également philosophiques (Georges Ivanovitch Gurdjieff sur Them heavy people). Tout cela contribue déjà à brouiller les cartes et à briser l'image d'une jeune fille sage et évaporée, aux grands airs romantiques, que pouvaient éventuellement suggérer les deux premiers singles (Wuthering Heights et The Man with the child in his eyes), mais aussi des titres comme L'Amour looks something like you, Oh to be in love, la sensualité de Moving ou l'atmosphère intime de Feel it.
Don't tell me how to live my life
Don't tell me what you do
Repression always brought about
By people with politics and attitudes like you
People
And politics
And attitudes
And you
Je vivais à Madrid lorsque l'on m'a offert ce disque... Il est devenu mon lien avec la France... Je criais à l'unisson de sa voix, déboîtait mon corps comme un forcené... C'était une exquise torture...
Ave la gouaille du Paris populo, celle qui fut danseuse chez Roland Petit, Carolyn Carlson ou Pina Bausch débarque avec fracas dans le monde de la chanson, à 40 ans passés!
On est libre d'aimer ou non Guesh Patti, mais force est de reconnaître qu'elle a parfaitement su se démarquer de l'univers musical des années 80.
Son album, ses accords ne semblent pas avoir pris une ride!
Elle nous entraîne dans son univers interlope, à coups de gueule ou de sincérité!
"Etienne" chanson phare de l'album est un des titres les plus moites de l'histoire de la pop française.
Elle parle de sexe, de drogues, de faux-semblants, de liberté avec des mots simples, mais emplis de révolte!
The Velvet Underground - The Velvet Underground & Nico
C'est sans aucun doute pour certains, l'un des meilleurs albums de l'histoire du rock.
Fondé initialement par Lou Reed et John Cale, le Velvet est également composé du guitariste Sterling Morrison et de Moe Tucker à la batterie. Après une rencontre avec Andy Warhol, ce dernier décide de les produire et leur présente Nico, une actrice allemande et chanteuse à ses heures. Le résultat sera tout simplement exceptionnel.
Tous les sujets les plus dérangeants sont abordés dans cet album. Tout d'abord la paranoïa dans l'excellent "Sunday Morning", les drogues et leur dépendance ("Waiting for the Man", "Run Run, Run" et le chef d'oeuvre "Heroin"), le masochisme phisyque ("Venus in Furs") ou mental ("Femme Fatale")... Bref, tous les thèmes capables de choquer profondément l'Amérique puritaine de l'époque (et d'aujourd'hui).
Ainsi, tout est présent pour que cet album soit un flop commercial: effectivement le Velvet accusera un échec cuisant à sa sortie.
La pochette est une œuvre originale de Warhol qui allait devenir culte. Elle est composée d'une banane autocollante à côté de laquelle est écrit « Peel Slowly and See » (« Pèle lentement et regarde »). Sous l'autocollant, on découvre une banane rose, d'apparence phallique. Une rumeur infondée va même jusqu'à affirmer que la colle de l'auto-collant serait mélangée à du LSD.
Il s'agit donc d'un album parfait du début à la fin.
A force de tomber, j'ai appris à me relever!
A force de m'écorcher, j'ai appris à soigner mes plaies.
A force d'être poignardé, j'ai appris à riposter.
Aujourd'hui je reprends mes ailes pour me libérer de tout ce qui a détenu mon vol.
Dans son autobiographie, "Comme si j'avais des Ailes" , Chet Baker nous livre un récit frappé par ses immenses qualités d'écriture. Le grand Chet y reprend ses années de jeunesse depuis l'armée où il s'engagea à 16 ans, son séjour en Europe dans le Berlin de l'après-guerre, sa période de succès aux Etats-Unis jusqu'à ses premières errances européennes entre Londres et Paris, où Chet s'installe peu à peu dans une existence difficile, émaillée de nombreux séjours en prison et en hôpitaux liés à sa toxicomanie.
Sa vie s'achève par une mystérieuse chute de la fenêtre de sa chambre d'hôtel, survenue après la prise d' importantes quantités de cocaïne et d' héroïne, le vendredi 13 mai 1988 à Amsterdam en Hollande.
Celui que tous surnommaient le James Dean du jazz, nous offre un album plein de douce mélancolie, envoûtant l'auditeur de son coup de trompette fluide, pétillant de vie et d'énergie, mais d'une sensualité...
Accompagné de Bill Evans, il nous transporte dans un état si proche de l'apesanteur, que l'espace d'un instant on peut se sentir si léger...
Cet album réalisé entre 1958 et 1959, est indispensable pour comprendre l'histoire du jazz, de la musique contemporaine,mais aussi les mécanismes de starification et relativiser les outrances d'un Jim Morrison ou la fascination d'un James Dean.
Paru en 1992, Diva est le premier album solo de celle qui durant des années fut l'emblème du duo Eurithmics.
Cependant, la belle ambiance entre les deux membres du groupe bat de l'aile.....
La séparation se fait paisiblement. En 1990, l’ancien duo est en perte de vitesse et Annie Lennox décide de s’adresser à un public plus adulte… et plus consensuel , sans aucun doute. Le pari est gagné : lorsque « Diva », son premier album, paraît en 1992, il se vend à des millions d’exemplaires grâce aux singles « Why » et « Walking On Broken Glass ».
Les titres sont tous signés par elle.
Il me dit : "Je ne l'aime pas, il est stupide! et je ne le supporte plus"
J'avoue ne pas trop piger pourquoi il reste avec lui....
"Pour oublier l'autre... C'est une thérapie!"
Patti Smith, icône rock et poète éprise de symbolisme français, deviendra culte dès son premier album Horses en 1975, et surtout en décidant que le rock and roll devait retourner là d'où il venait, vers ces quelques accords joués férocement et sans virtuosité.
Elle débute l’album par une reprise de « Gloria » du groupe Them fondé par Van Morrison. Mais ce sont surtout ces mots : Jesus est mort pour les pêchés de quelques uns…mais pas pour les miens, qui restront dans les mémoires!
Quel que soit le titre, sa voix de prêtresse anarchique atteint des sommets de joie et de douleur.
Avec Tom Verlaine (du groupe Television) à la guitare, elle ouvre la voix du futur mouvement punk.
C'est son compagnon d’alors, le photographe Robert Mapplethorpe qui a réalisé la fameuse pochette de son album Horses.
Et c'est reparti pour un tour!
Cette vieille Dame qu'est devenue l'Eurovision (et oui le premiers concours date de 1956) sera célébrée cette année à Helsinki les 10 et 12 mai prochain.
Le 10 mai étant réservé pour les qualifications pour la grande finale du samedi 12!
Voici un avant-goût de ce qui nous attend..... Ca va faire saliver, railler, grincer des dents ou hurler de rire... Ou de tristesse!
France
Après des années de ballades sirupeuses, de titres dégorgeants de bons sentiments, la France s'essaie à l'humour décalé, avec un titre interprété en franglish.
C'est sympa, mas soyons honnêtes ça ne casse pas non plus 3 pattes à un canard!
Les Fatals Picards - L'Amour à la Française
Géorgie
Pour une entrée dans le grand bain de l'Eurovision, la Géorgie frappe fort avec ce titre interprété par Sopho Khalvashi.
Mélange savant entre pop et world music, elle nous plonge dans un univers plein de mystères...
A suivre attentivement !
Sopho Khalvashi - My Story
Grèce
A mi-chemin entre Tarkan et Sakis Rouvas, Sarbel nous propose une énième version de pop dance orientale d'une nullité affligeante, à mon goût!
C'est pompé sur tout ce qui bouge!
Et quel dommage de préférer l'anglais à cette langue si chantante qu'est le grec!
La révolte gronde! A paris les pavés s'envolent de barricades en barricades...
Au Vietnam, les américains s'embourbent dans une guerre sans fin...
A l'Est l'insurrection est maté!
Et pourtant, malgré quelques chanteurs qui tentent tant bien que mal de faire passer un message de paix, les corps restent soudés, à jamais inséparables, comme pour se protéger...
O'Kubi Café 219 rue Saint Maur métro Goncourt ou Colonel Fabien Si vous êtes... un garçon qui aime les garçons un garçon qui aime les filles une fille qui aime les garçons une fille qui aime les filles Si vous aimez... La bonne musique La Fête Venez tous O'Kubi Caffe
Cliquez sur le logo
Quiero tu tierra tranquila! Quiero tu cielo aquietado!
Quiero tus campos fecundos y tus desiertos colmados Dame tu piedra escondida para entregarte mi mano.
Dame tus ríos profundos para ser tuyo y ser manso.
